The Bell, The Bird, The Sky

김선형 Sunhyoung Kim
24 October - 11 December 2026

앤갤러리는 2026년 10월 24일부터 12월 11일까지 김선형 작가의 개인전 《The Bell, The Bird, The Sky》를 개최한다. 본 전시는 김선형 작가가 오랜 시간 지속해온 ‘GARDENBLUE’ 연작의 신작을 포함한 주요 작품으로 구성되며, 블루(Blue)라는 하나의 색을 중심으로 구축해온 작가의 독자적인 회화 세계를 선보인다.

블루는 인류의 역사 속에서 오랫동안 신성함과 초월성, 영원성을 상징하는 색이었다. 고대 이집트인들은 청금석이라는 보석을 왕과 신, 하늘을 상징하는 신성한 것으로 여겼고, 청금석을 갈아 만든 안료인 울트라마린(Ultramarine)은 르네상스 시기의 유럽에서는 금보다 값진 색이었다. ‘바다 너머에서 온 것’이라는 뜻의 이름처럼, 먼 바다를 건너 들여오는 울트라마린은 그 자체로 귀중한 재료였다. 하늘과 바다, 그 끝을 가늠할 수 없는 우주의 광활함을 담아내는 청색은 동서양을 막론하고 인간이 감각할 수 있는 세계의 경계 너머를 상징해왔다. 김선형 작가의 블루는 이러한 역사성과 의미를 내재하면서도, 해가 뜨고 저무는 자연의 순환과 세계의 무한한 깊이를 담아내는 자신만의 색으로 재창조된다.

김선형 작가가 블루라는 색에 이르게 된 계기는 2006년 겨울, 구례 화엄사에서의 어느 저녁으로 거슬러 올라간다. 고요한 산사에서 법고 소리를 듣고 있던 작가는 우연히 맞은편 범종각에서 울려 퍼지는 종소리와 함께 새 한 마리가 하늘로 날아오르는 풍경을 보았다. 그 순간 눈에 담긴 푸르고 짙은 하늘의 색은 그의 마음 깊이 새겨졌으며, 이후 블루라는 단 하나의 색으로 고유한 회화 세계를 구축해오고 있다.

동양화를 전공한 작가는 전통적인 수묵의 언어를 그대로 답습하지 않고 자신만의 동시대적 감각으로 재해석한다. 동양의 전통적 재료인 먹 대신 아크릴 물감을 사용하는데, 이를 마치 먹과 같은 물성처럼 다루며 단일한 블루 하나만으로 투명하고 부드러운 연한 하늘빛부터 밀도 높고 두터운 검푸른 청색에 이르기까지 다채로운 농담과 색의 스펙트럼을 화면에 펼쳐낸다. 화면의 바탕은 한지와 캔버스의 물성을 조화롭게 넘나든다. 물감이 번지고 스며드는 한지의 물성과 겹겹이 쌓이는 캔버스의 물성에 따라 동일한 색도 서로 다른 시간성을 거치며 다양한 층위로 남겨진다. 작가는 이처럼 동서양의 재료와 매체를 독자적인 방식으로 다루며 동시대의 동양 회화의 지평을 넓혀가고 있다.

김선형 작가의 블루는 ‘가든(Garden)’이라는 하나의 회화적 세계로 이어진다. 작가에게 ‘가든’은 특정한 장소나 공간이 아닌, 작가가 관조하는 자연과 우주, 살아있는 세계 그 자체를 말한다. 'GARDENBLUE’에서 보여지는 꽃, 바위 등의 이미지는 특정한 대상의 재현이 아니라 작가가 관조하는 자연의 생명력과 세상의 흐름을 담아내는 매개이다. 이러한 가든의 이미지는 블루라는 색의 감각으로 환기되며 작가의 고유한 조형적 세계로 전환된다. 장자가 말한 소요유(逍遙遊)의 정신처럼, 어떠한 목적이나 계획에 얽매이지 않고 자연스러운 흐름에 몸을 맡기듯 그려내는 ‘GARDENBLUE’에는 자연의 이치를 따르는 작가의 무위(無爲)적 태도가 고스란히 내재되어 있는 듯 하다.

김선형 작가에게 전통과 현대, 자연의 생성과 소멸 같은 개념은 서로 대립하는 것이 아니라 서로 조화를 이루며 공존하는 경계이며, 하나의 순환적 흐름이다. ‘GARDENBLUE’는 이러한 작가의 삶과 예술에 대한 깊이 있는 사유를 푸른 감각으로 전달한다. 이번 《The Bell, The Bird, The Sky》 전시를 통해 김선형 작가가 오랜 시간 가꾸어온 정원 앞에서 각자의 시선과 감각으로 그 안의 생동하는 블루를 마주하기를 바란다.

N Gallery presents 《The Bell, The Bird, The Sky》, a solo exhibition by Sunhyoung Kim, from October 24 to December 11, 2026. Featuring new works from Kim’s long-running GARDENBLUE series alongside a selection of key works, the exhibition offers an overview of the artist’s distinctive painterly world, developed through an enduring exploration of a single color: blue.

Throughout human history, blue has been associated with the sacred, transcendence, and eternity. The ancient Egyptians regarded lapis lazuli as a sacred stone symbolizing kingship, the divine, and the heavens, while ultramarine, a pigment made by grinding lapis lazuli, was more precious than gold in Renaissance Europe. True to its name, derived from the Latin ultramarinus, meaning “from beyond the sea,” ultramarine was a precious material transported across distant seas. Evoking the sky, the sea, and the immeasurable vastness of the universe, blue has long symbolized, across both Eastern and Western cultures, realms beyond the limits of human perception. Drawing on this rich historical resonance, Kim reimagines blue as a color uniquely his own, one that captures the cycles of nature, from sunrise to sunset, and the infinite depths of the world.

Kim’s journey toward blue began one winter evening in 2006 at Hwaeomsa Temple in Gurye. As he listened to the sound of the beopgo, a ceremonial Buddhist drum, at the tranquil mountain temple, he happened to witness a bird taking flight into the sky as a bell rang from the pavilion opposite. The deep blue of the sky that filled his vision at that moment became etched in his memory. Since then, he has continued to develop a singular painterly language through the use of blue alone.

Trained in traditional East Asian painting, Kim does not simply follow the conventions of traditional ink painting; instead, he reinterprets them through his own contemporary sensibility. Rather than using meok, traditional East Asian ink, he works with acrylic paint, handling it as if it were ink. Through a single shade of blue, he creates a rich spectrum of tonal variations, ranging from transparent, delicate sky blues to dense, deep blue-black hues. His works move fluidly between the distinct qualities of hanji (traditional Korean paper) and canvas. On hanji, paint spreads and seeps into the surface, while on canvas, it builds up in successive layers. Through these differing interactions between pigment and surface, the same color takes on different temporal qualities, leaving its traces in varied layers and depths. By engaging with materials and media from both Eastern and Western traditions in his own distinctive way, Kim continues to expand the possibilities of contemporary East Asian painting.

Kim’s blue unfolds into Garden, a world of painting that is uniquely his own. For the artist, Garden is not a specific place or physical space, but nature, the universe, and the living world itself as he contemplates them. The flowers, rocks, and other forms that appear in GARDENBLUE are not depictions of particular objects; rather, they serve as vessels for conveying the vitality of nature and the ongoing flow of the world as perceived by the artist. Through the sensorial qualities of blue, these garden motifs are transformed into his distinctive visual language. Echoing Zhuangzi’s concept of xiaoyao you (逍遙遊), often translated as “free and easy wandering,” GARDENBLUE seems to embody the artist’s embrace of wuwei (無爲), or non-forcing—a way of being that follows the natural course of things. His paintings unfold without being bound by predetermined purposes or plans, as though surrendering to the natural flow of existence.

For Kim, tradition and modernity, like the cycles of creation and dissolution in nature, are not opposing forces but interrelated realms that coexist in harmony as part of a continuous cycle. GARDENBLUE conveys his profound reflections on life and art through the sensibility of blue. Through The Bell, The Bird, The Sky, we invite viewers to encounter the living blue within the garden Kim has cultivated over many years, each bringing their own perspective and sensibility to the experience.